Якобелло дель Фьоре - Jacobello del Fiore

Якобелло дель Фьоре
Якобелло Дель Фьоре - Богородица с младенцем - WGA11891.jpg
Якобелло Дель Фьоре Богородица с младенцем, ок. 1410, г. Museo Correr
Родилсяc. 1370
Умерc. 1439
НациональностьИтальянский
ИзвестенКартина
СтильГотика в начале карьеры стал более современным
Движениеэпоха Возрождения

Якобелло дель Фьоре (ок. 1370 - 1439) был Венецианский художник в конце четырнадцатого - начале пятнадцатого века.[1] Его ранние работы находятся в конце Готика стиль популяризируется Altichiero da Verona и Якопо Аванци, двое его современников, а его зрелые работы отражают местный венецианский стиль, установленный школой Паоло Венециано, художник и владелец мастерской с заметным византийским вдохновением в своем творчестве.[1] Это стилистическое возвращение к своим корням отличает его от Никколо ди Пьетро и Занино ди Пьетро, ​​венецианские современники, с которыми он часто ассоциируется.[1] При жизни он получал заказы в основном на Адриатическом побережье и в Венеция.[2]

Ранняя жизнь и работы

Рождение и семья

Якобелло дель Фьоре, вероятно, родился около 1375 года, поскольку ко времени его женитьбы в 1394 году он все еще находился под опекой своего отца, Франческо дель Фьоре.[3] Хотя известно, что Якобелло дель Фьоре женился в 1394 году, личность его супруги неизвестна, равно как и наличие у него детей. Отец Якобелло, Франческо, сам был художником: в 1376 году он указан в контракте как главный офицер братство, или организация, посвященная признанию христианских благотворительных работ, Scuola dei Pittori.[4] Франческо возглавлял мастерскую, в которую входили Якобелло и два его брата, Никола (который умер в 1404 году, когда Якобелло было от двадцати до тридцати лет) и Пьетро.[4]

"Мастер Мадонны Джованели"

Хотя самая ранняя из сохранившихся и подтвержденных работ Якобелло датирована 1407 годом, считается, что он был художником Распятие кусок в Matthiesen Коллекция и Богородица с младенцем площади Пьяццо Джованели, оба написаны в конце 14 века.[5] Распятие было общей темой в самых ранних работах Якобелло, хотя в то время оно было довольно распространенным предметом внимания многих художников.[6] Историк искусства Андреа де Марчи был первым, кто предположил, что ответственность за эти «нео-джоттоск 'картины вдохновлены материковыми художниками Альтичиеро и Якопо Аванци и придумали неизвестное имя автора как «Мастер Мадонны Джованели».[7] В Matthiesen Распятие, Христос висит на кресте в центре сцены, разделяя последователей Христа слева и воинов справа.[8] Эти детали показывают, что автор картины, должно быть, был знаком с движением поздней готики на материке, а также имел венецианское образование из-за изображения Лонгин который пронзает Христа и сотник, приказывающий сломать ноги Христу, две фигуры, которые также появляются в картине Альтичиеро. Распятие в Оратории Сан-Джорджо, а также на городской стене, закрывающей сцену, - техника, которую использовал Паоло Венециано.[9]Точно так же искусствовед Карло Вольпе отметил, что серия небольших Страсть панно, написанное в 1390-е гг.Агония в саду (Картинная галерея Ватикана), Плач (Картинная галерея Ватикана), Путь на Голгофу (Британская королевская коллекция) и Арест Христа (частная коллекция) –– поделиться Paduan влияние и стилистическое сходство с Matthiesen Распятие."[10] Де Марчи также приписывает Мадонна смирения в провинциальном музее в Лечче Мастеру Мадонны Джованели,[7] таким образом связав эту работу с Matthiesen Распятие а также панели Passion.

В 1401 году Якобелло послал полиптих, который с тех пор был утерян, церкви Сан-Кассиано в Пезаро, где его видел искусствовед 18 века Луиджи Ланци.[11] В Мадонна смирения в Лечче, по мнению искусствоведа Иллеана Чиаппини ди Сорио, вполне мог принадлежать этому полиптиху.[12] Таким образом Мадонна смирения, как предполагает искусствовед Даниэле Бенати, связывает все вышеперечисленные работы «Мастера Мадонны Джованели» ни с кем иным, как с Якобелло дель Фьоре.

Прогресс в стиле

1401 год знаменует собой переход в карьере Якобелло от более архаичного, готического стиля, использовавшегося в последнее десятилетие XIX века. Треченто и захвачен в Matthiesen Распятие, в более современный стиль, связанный с линия, как видно из Джованели Мадонна и Распятие с скорбящими и святыми во французской частной коллекции.[13] Последний, как подчеркивает Де Марчи, по-прежнему происходит от Альтикьеро и Якопо Аванци, но выходит за рамки более сурового стиля Маттиесена. Распятие используя более свободную готическую гибкость.[14] Обе эти работы, вероятно, были написаны между 1401 и 1407 годами, датой первой сохранившейся проверенной картины Якобелло.[13]

Маттиезен Распятие содержит намёки на Иерусалим и к библейским образам, таким как Голгофа, место, где Иисус был распят. Старый готический стиль, который часто использовал Якобелло, примером которого является Маттиесен Распятие, характеризуется четкой композицией и позированием фигур спереди или сбоку, плавными линиями и яркими цветами, хотя схема Маттисена Распятие особенно ярко.[3]

Якобелло дель Фьоре: Распятие и поклонение волхвов, Стокгольм, Национальный музей

В 1407 году Якобелло написал триптих из Дева Милосердия со святыми Иаковом и Антонием Аббатом сейчас проживает в церкви Санта-Мария-делле-Грацие в Пезаро, но первоначально для церкви Санта-Мария в Монтегранаро.[11] Этот триптих, по словам Бенати, демонстрирует интерес Якобелло к последним художественным тенденциям: его техника и стиль актуальны, а зажатый нос Девы Марии указывает на влияние Ломбардского творчества. Микелино да Бесоццо.[15] Подобные влияния обнаружены в триптихе Якобелло Поклонение волхвов в Стокгольме, Национальный музей поместите его в хронологическом порядке рядом с Дева Милосердия триптих.[15]

Считается, что в 1408 году Якобелло завершил еще один Распятие Сцена с помощью резчика по дереву Антонио ди Бонвезина для приходской церкви в Кастельдимеццо в Пезаро.[11] В следующем году он, как полагают, нарисовал тавола для Пезаро, впервые увиденного Ланци, а затем гипотетически идентифицированного искусствоведом Китом Кристиансеном как принадлежащий к Полиптих блаженной Мишелины.[16] Эти две картины демонстрируют его растущую профессиональную репутацию, достигнутую до смерти отца в 1409–1411 годах.[11]

Комиссия Дворца Дожей

В качестве доказательства его выдающегося положения в 1412 году венецианский синьорий нанял Якобелло с годовой зарплатой в сто долларов. дукаты стипендия, которая позже была уменьшена до 50 дукатов из-за войны Венеции с Далмация.[17]

Якобелло дель Фьоре: Лев Святого Марка (На месте), 1415 (подробно)

Считается, что между 1409 и 1415 годами Якобелло было поручено украсить Sala del Maggior Consiglio (Зал Великого Совета) в Дворец Дожей, поставив его в прямой контакт с продвинутыми художниками материка, такими как Джентиле да Фабриано, Пизанелло, и Микелино да Бесоццо.[18] Влияние Фабриано и Микелино можно увидеть в упомянутом ранее произведении Якобелло 1409 г. Полиптих блаженной Мишелины а позже Дева Милосердия между святыми Иоанном Крестителем и Иоанном Евангелистом в Академия Венеции, вероятно, написана в середине 1410-х гг.[19] Влияние Микелино можно увидеть в младенцах с тяжелыми конечностями и областях, где они выросли. пастилья украшение в Дева Милосердия и дополнительно в 1415 г. Лев Святого Марка (на месте), особенно в абстрактном хвосте и декоративных крыльях животного.[18]

Влияние Фабриано можно увидеть в использовании Якобелло роскошной драпировки и декоративной изысканности; однако вместо того, чтобы заимствовать эмпирическое внимание Фабриано к деталям природы и структуры поверхности, Якобелло, как отмечает Бенати, поддерживал стилизованное абстрактное использование линий и преданность металлическому внешнему виду, придавая его работе особый вид. геральдический внешность.[19] Это сознательное решение, как далее утверждает Бенати, знаменует собой сдвиг в стиле Якобелло, который верным образом обращается к его ранним влияниям местной традиции Треченто. Лоренцо Венециано.[19]

Поздние работы и последние годы

Жизнь Святой Люси, Мемориал Франческо и последние годы жизни

Якобелло дель Фьоре: Истории из жития святой Люси, Фермо, Пинакотека Цивика

Введен в эксплуатацию для прибрежного города Адриатического моря. Фермо, этот алтарь (Городской музей, Фермо) считается его шедевром.[18] Первое упоминание о работе датируется 1763 годом, когда она была внесена в инвентарь церкви Святой Люси в Фермо.[20] Картины, отреставрированные в 1950 году, подчеркивают сияющую красоту готического стиля, который не пытается быть натуралистическим.[20] Вместо этого Якобелло возвращается к повествовательному стилю Паоло Венециано и его венецианским корням, а не движется в том же направлении, что и Джентиле и Пизанелло.[18]

Восемь сцен запрестольного образа изображают Сент-Люси посещение могилы святой Агаты, раздача ее имущества бедным, отказ приносить жертвы идолам, сопротивляться загону волов в публичный дом, сжигание на костре, получение ножевых ранений в горло, принятие Святого Причастия перед смертью и, наконец, размещение в ее могиле.[18] Якобелло помещает первые три сцены среди архитектуры в готическом стиле, а последние пять сцен - на открытых пространствах с камнями и травой, которые в своих деталях напоминают французские гобелены, сотканные в Mille-Fleurs стиль.[20] Кроме того, Якобелло запечатлел экстравагантность одежды 15-го века в пятой сцене, изображающей ее неудачное сожжение на костре.[20]

В 1433 году Якобелло воздвиг гробницу в честь своего отца Франческо в Сан-Джованни-э-Паоло (сейчас потеряно).[21] Якобелло одел чучело отца в мантии в полный рост, чтобы подчеркнуть его социальный престиж.[21] Бенати отмечает, что этот каменный памятник не только подчеркивает возвышение художников того времени от простых ремесленников до уважаемых членов общества, но также отмечает призвание живописи - профессии, которая к 1433 году принесла Якобелло много богатства и известности.[21]

Бенати заключает: «Именно Якобелло пришлось столкнуться с проблемой обновления местной образной культуры изнутри, постепенно, и ему в конечном итоге удалось связать ее с ее принципами четырнадцатого века. В свете своей юной приверженности стиль Падуанского неогиоттоска, мы можем лучше понять, насколько остро, начиная с 1407 года, он стремился адаптировать новизну ломбардского позднего готического стиля к местным особенностям ».[22]

Считается, что в 1430-е годы он наставлял молодого Карло Кривелли, который позже стал известен своими небольшими яркими темпераментами пейзажей, фруктов, цветов и других аксессуаров.[23] Приемный сын Якобелло, Эрколе дель Фьоре, фигурирует в записях 1461 года, в которых говорится о его призвании как художника. Якобелло умер в 1439 году, когда ему было за шестьдесят.

Список работ с техническим описанием

Название работыГод выпускаСредняяРазмерТекущее местоположение
Мадонна с младенцем[24]НеизвестноТемпера на панели88 х 62 смЧастная коллекция
Распятие[24]1400Темпера и золото на панели127 х 135 смТоледский музей искусств, Толедо, Огайо
Богородица с младенцем[24]1410Панель57 х 39 смMuseo Correr, Венеция
Триптих Мадонны делла Мизерикордия[24]1415Темпера на панели86 х 113 смGallerie dell'Accademia, Венеция
Правосудие между архангелами Михаилом и Гавриилом[24]1421Темпера на панели208 x 490 смGallerie dell'Accademia, Венеция
Коронация Богородицы[25]1438Темпера на панели283 x 303 смGallerie dell'Accademia, Венеция

Мадонна с младенцем[25]

Якобелло дель Фьоре: Мадонна с младенцем

Мадонна с младенцем это картина, которая соответствует своим современникам и сопоставима с ними. Например, то, как он изображает ребенка, ожидаемо грубовато: ребенок выглядит как взрослый человек, который был уменьшен и уменьшен пропорционально Мэри. Частично это связано с тем, что изображения детей эпохи Возрождения были менее сложными, чем изображения взрослых.[нужна цитата ]

Тем не менее, историки искусства отметили, что общее настроение Девы Марии и младенца Иисуса неожиданно нежное и нежное по сравнению с византийскими работами, которые вызывает это произведение.[нужна цитата ] Поза Марии менее жесткая, чем на большинстве изображений: она слегка повернута к Иисусу и смотрит на него - две черты, которые редко встречаются в произведениях, на которые Якобелло смотрел как на вдохновение. Что касается самого младенца Иисуса, его поза непринужденная, и он протягивает руку матери, что также контрастирует с прецедентом, установленным на других картинах. Этот стилистический выбор отличает работы Якобелло от работ его современников, а также от работ более ранних византийских моделей.[нужна цитата ]

Панно, на котором была создана эта картина, украшено специализированной, сложной и орнаментальной резьбой вместо нарисованного фона. Простой слой золота заполняет большую часть пространства вокруг Девы Марии и Иисуса. Якобелло предпочитает использовать сплошной цвет и формировать узоры и визуальный интерес через резьбу, а не рисованный пейзаж в качестве фона, хотя зелень и листва все еще присутствуют на картине. Ореолы нанесены легкой резьбой вокруг голов фигур.

Как и во многих других работах Якобелло, тени на объектах этой картины, похоже, не связаны с реалистичным или единственным источником света. Это было обычным явлением для картин того времени, поскольку реалистичное освещение и затенение в живописи с учетом источника света еще не получили широкой популярности.[нужна цитата ] Точно так же, как изображение одежды и ткани продвинуто, изображение листвы и растений в виде пейзажа является плоским и двухмерным, учитывая византийское влияние этой картины. Ноги Девы Марии непропорционально длинные.[нужна цитата ]

Распятие[25]

Якобелло дель Фьоре: Распятие, 1400

Историки искусства широко полагают, что Распятие была единственной частью более крупного произведения или запрестольного образа. Иисус представлен в той же плоскости, что и все другие фигуры на картине, но кажется намного больше любого другого человека в кадре. Пропорциональное доминирование Христа в композиции служит примером общепринятой техники эпохи Возрождения, используемой для акцента на предмете. Большая часть ярких цветов этого изделия исходит от одежды, от красных до синих и оранжевых тонов. Цвет одежды особенно подчеркивается оттенками кожи фигур, которые со временем стали приглушенными и выцветшими.

Хотя множество людей, окружающих Иисуса, может выглядеть как случайно распределенная толпа, на самом деле они помещены в своего рода континуум или временную шкалу и включают таких значимых людей, как Святой Иоанн и Мария Магдалина. Фигуры имеют последовательное и хронологическое значение, если смотреть слева направо, поскольку они рассказывают историю, ведущую к распятию, изображенному на картине. Композиция демонстрирует элементарное использование перспективы: хотя кажется, что нет одной установленной или стандартной точки схода или линии горизонта, дерево креста и камень стены за Христом кажутся глубокими. Камни, присутствующие на переднем плане произведения, проработаны реалистично с учетом затенения.

Распятие иллюстрирует и демонстрирует уровень владения Якобелло в отношении анатомии человека и его попытки изобразить фигуры в более естественных или реалистичных положениях, чем они были в прошлом. Это произведение, одно из самых известных, используется историками искусства для демонстрации прогресса Якобелло и первых попыток отделить его от предшествовавших ему византийских художественных стилей.

Богородица с младенцем

Якобелло дель Фьоре: Богородица с младенцем, 1410

Богородица с младенцем историки искусства считают его одним из самых важных и определяющих произведений Якобелло. В нем используются, возможно, наиболее реалистичные человеческие пропорции во всем творчестве Якобелло, даже несмотря на то, что он был создан в период, когда его произведения были вдохновлены византийскими чувствами венецианских художников начала XIV века. Изображение младенца Иисуса в этой работе нехарактерно реалистично и точно пропорционально тому, как маленький младенец будет выглядеть на фоне своей матери.

Хотя текущее состояние Богородица с младенцем оставляет желать лучшего, цвета хорошо сохранились и сохраняют яркость. Предполагается, что в исходном состоянии Богородица с младенцем была одной из самых ярких работ Якобелло, особенно по сравнению с более темными цветовыми схемами его более поздних, более готических произведений, таких как Правосудие между архангелами Михаилом и Гавриилом и Коронация Богородицы. Яркость этого предмета в основном объясняется одеждой Девы Марии и младенца Иисуса. У Мэри есть большой жирный узор на одной из своих тканей - особенность, уникальная для этой картины из репертуара Якобелло. Богородица с младенцем имеет сплошной золотой фон, но не имеет сложной орнаментальной обрамления, резьбы или узора, как некоторые другие его работы. Ореолы создаются за счет текстурирования на панели.

Эта работа важна для карьеры Якобелло в глазах искусствоведов, потому что она иллюстрирует его прогресс во времени, а также демонстрирует его влияние, как, например, работы других художников. Антонио Виварини и Джамбоно подражать этому произведению искусства.[2]

Триптих Мадонны делла Мизерикордия

Якобелло дель Фьоре: Триптих Мадонны делла Мизерикордия, 1415

Триптих Мадонны делла Мизерикордия изображает Деву Марию в центре, в окружении с одной стороны Святой Иоанн Креститель а с другой стороны Святой Иоанн Евангелист. Деву Марию тесно окружают толпы людей. Фигуры занимают небольшую глубину, а на однотонном сплошном золотом фоне мало орнаментального орнамента в виде резьбы или узора.

Это произведение представляет собой начало возвращения Якобелло к стилю, к которому он изначально был близок: вдохновленной Византией венецианской живописи начала XIV века. Цветовая палитра этой работы и манера закрашивания фигур больше похожи на некоторые из более ранних работ Якобелло, такие как Распятие чем его более поздние, более готические работы, такие как Справедливость между архангелами Михаилом и Гавриилом. Хотя историки искусства считают это движение возвращением к старому стилю со стороны Якобелло, они не считают его регрессом с точки зрения технических возможностей.

Элементы этого произведения, подтверждающие утверждения этих искусствоведов, - это изображение ткани, волос и кожи по сравнению с более ранними работами Якобелло. Освещение и тени на этой одежде и тканях одинаковы, ткани более детализированы, чем в других изделиях Jacobello, а тонкие текстуры отличают бархатистую ткань от более шелковистой. Используются дополнительные эффекты, такие как потрепанные лохмотья на фигуре слева и замысловатые детали на отделке некоторых предметов одежды.

Каменистая поверхность в левой части изображения передана искусно, и в изображении растительности на этой картине можно увидеть заметное улучшение по сравнению с Мадонна с младенцем. Поскольку неизвестно, когда Мадонна с младенцем был расписан, искусствоведы могут использовать Триптих Мадонны делла Мизерикордия в качестве справки, чтобы определить, что Мадонна с младенцем была завершена перед этой картиной. Листва в Триптих Мадонны делла Мизерикордия точно окрашен, реалистично растушеван и соответствующим образом наслоен. Волосы вьющиеся и стилизованные, а кожа изображена так же, как и в более ранних работах Якобелло в том же стиле, за исключением того, что здесь более реалистичные морщины.

Композиция этого предмета способствует большей чувственности в византийском стиле из-за того, что различные изображения фигур окаймлены и разделены. Пропорциональная разница между изображениями людей более резкая, чем в других работах Якобелло. Простые люди, окружающие Деву Марию, настолько малы, что Мадонна укрывает их своей одеждой. Фигуры более стилизованы по своим телесным пропорциям, чем обычно для Якобелло. Их преувеличенная стройность особенно заметна в обнаженных голенях святого слева. Ореолы менее эфирны, чем в других работах Якобелло.

Правосудие между архангелами Михаилом и Гавриилом

Написана для Magistrato del Proprio во Дворце дожей в 1421 году (ныне Gallerie dell'Accademia, Венеция), которую также называют просто Триптих справедливости, Джсправедливость между архангелами Михаилом и Гавриилом установил особый стиль, который продиктовал венецианскую живопись более десяти лет.[18] Центральная фигура представляет и правосудие, и Венецию, с весами в одной руке и мечом наказания в другой.[18] Свиток за ее головой гласит: «Я исполню наставление ангелов и святое слово: кротко с благочестивыми, сурово со злом и высокомерно с гордыми».[18] На левой панели Святой Михаил сражается с драконом и держит свиток, который просит Венецию / Справедливость «предать очищенные души весам милосердия».[18] На правой панели Ангел Габриэль объявляет себя посланником Марии и просит Венецию вести людей сквозь тьму. Как гражданский, так и уголовный суд, эта комиссия выполняет обе функции Magistrato del Proprio.[1] Джамбоно Святой Михаил и Микеле ди Маттео алтарь Богородица со святыми оба отдают дань уважения этому триптиху, свидетельствуя его влияние.[18]

Якобелло дель Фьоре: Правосудие между архангелами Михаилом и Гавриилом, 1421

Правосудие между архангелами Михаилом и Гавриилом - одно из самых известных произведений Якобелло. Это одна из самых длинных его картин, ширина которой превышает 400 сантиметров, и знаменует пик его стилистического перехода к более готической чувственности. Это можно заметить в композиции, в позе и отображении фигур и в других тонких деталях.

Стилистический сдвиг, который претерпел Якобелло, можно приписать, по мнению многих историков искусства, Джентиле де Фабриано, которому Венецианская республика поручила расписать Зал Великого совета Дворца дожей, которые были религиозными лидерами в Венеции. Когда Джентиле принял эту работу, он рисовал с придворной готикой. Этот стиль повлиял на многих художников, живших в Венеции в то время, которые до этого практиковали более византийский стиль венецианской живописи начала четырнадцатого века.

Правосудие между архангелами Михаилом и Гавриилом отличается от некоторых ранних работ Якобелло своей текстурой. Хотя использование текстурирования для определения границы и фона было замечено в некоторых из его предыдущих работ, таких как Мадонна с младенцемЗдесь текстурирование описывает доспехи и декоративные элементы обоих архангелов, некоторые из одежды женщин, представляющих Справедливость, ее рукоять меча, ее корону и ее чешую. Изображение животных также является редкостью для Якобелло, но его можно увидеть здесь с двумя венецианскими львами, которые окружают леди Джастис. Ореолы двух архангелов более детализированы и сложны, чем ореолы фигур в других произведениях Якобелло. Улучшено изображение ткани и ткани, человеческой кожи, волос и последовательного затенения. Уровень детализации этого произведения - одна из причин, по которой искусствоведы считают его апогеем готической фазы Якобелло, важной не только как веху в карьере Якобелло, но и как развитие его технических навыков и мастерства. Именно знания, полученные Якобелло, и мастерство технических навыков, которых он достиг с помощью этого произведения, позволили его более позднему уверенному ретардатеру вернуться к своим корням, когда его работы больше склонялись к стилю, вдохновленному Византией.

Эта картина также считается более метафорической и символической, чем другие картины Якобелло, даже очень насыщенные символикой, такие как Коронация Богородицы и Распятие, потому что Правосудие между архангелами Михаилом и Гавриилом, как следует из названия, содержит физическое воплощение концепции справедливости. Эта статья разделена на три части таким образом, что историки подозревают, что Распятие был предназначен для разделения, Распятие сама является средней частью.

Коронация Богородицы[25]

Якобелло дель Фьоре: Коронация Богородицы, 1438

Одна из крупнейших обнаруженных работ Якобелло, эта картина имеет размеры почти 300 сантиметров в ширину и высоту и изображает принятие Девы Марии на небеса, которое метафорически представлено как ее сын Иисус, венчающий ее перед большой аудиторией. Кайма этой картины стандартная, прямоугольная внизу с двумя углами и закругленная вверху продолговато. В центре - Иисус и Мария, восседающие на тщательно продуманных тронах.

Окружающую архитектуру наполняет множество религиозно значимых людей, служащих своего рода церемониальной аудиенцией при коронации Марии. Все эти фигуры являются частью канона христианской Библии и католической церкви как люди, ушедшие из жизни и, как известно, «возносят Деву Марию» на небеса. Фигуры сидят слева от Иисуса и Марии, справа от них и даже под ними, как внутри колонн строения, на котором сидят Иисус и Мария, так и слоем ниже, среди зелени и листвы под основанием. архитектурного сооружения. В одежде этих фигурок можно различить разные типы людей, таких как апостолы, мученики, святые, девственницы и ангелы, по цвету ткани. Раскраска этой картины темная, хотя трудно сказать, как текущее состояние картины сравнивается с оригиналом с точки зрения цвета.

Ореолы Иисуса и Марии изображены в виде непрозрачных золотых кругов за головами. Хотя настроение в этом произведении изображено как благоговейное и церемониальное, присутствуют и праздничные аспекты, от ангельского хора до музыкальных инструментов и листвы, отсылающих к Эдемскому саду. Иисус и Мария изображены значительно крупнее других фигур, чтобы подчеркнуть их важность.

Наследие

В течение многих лет после его смерти Якобелло дель Фьоре не удостоился должного внимания, которое полевые эксперты считают подходящим сегодня как одному из ведущих венецианских художников своей эпохи.[26] Кейт Кристиансен в своей книге о Джентиле да Фабриано пишет: «Якобелло дель Фьоре страдает от более серьезного критического непонимания, чем любой другой ранний венецианский художник. Р. Лонги оценил его как личность меньшую, чем Никколо ди Пьетро или Занино, потому что его работы, казалось, были глубоко связаны с венецианской живописью, а не с материковой. Фактически, Якобелло был величайшим местным художником своего поколения ».[27] Историки искусства, такие как Даниэле Бенати, прояснили роль Якобелло как связующего звена между зарождающимся поздним готическим стилем художников Ломбардии и местной традицией венецианских художников Треченто, восстановив его важную роль в венецианском искусстве и меняющихся стилях того времени.[22]Бенати заключает: «Именно Якобелло пришлось столкнуться с проблемой обновления местной образной культуры изнутри, постепенно, и ему в конечном итоге удалось связать ее с ее принципами четырнадцатого века. В свете своей юной приверженности стиль Падуанского неогиоттоска, мы можем лучше понять, насколько остро, начиная с 1407 года, он стремился адаптировать новизну ломбардского позднего готического стиля к местным особенностям ».[22]

Известных портретов Якобелло не существует. Несмотря на его влияние и известность на венецианской живописной арене эпохи Возрождения начала пятнадцатого века, Якобелло дель Фьоре не помнят как главную фигуру Возрождения. Картины Якобелло дель Фьоре являются неотъемлемым первоисточником для историков искусства и случайных исследователей, чтобы понять этого художника.

использованная литература

  1. ^ а б c d "Якобелло дель Фьоре". Оксфордское искусство онлайн. (требуется подписка)
  2. ^ а б Хурихан, Колум (2012-12-06). Энциклопедия средневекового искусства и архитектуры Grove. ОУП США. С. 447–448. ISBN  9780195395365.
  3. ^ а б Бенати, Даниэле. Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Matthiesen Fine Art Ltd. стр. 26. ISBN  9780955536618.
  4. ^ а б Бенати, Даниэле; Галерея Маттиесена. Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Matthiesen Fine Art Ltd. стр. 20. ISBN  9780955536618.
  5. ^ Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 16. ISBN  9780955536618.
  6. ^ Шульц, Энн Маркхэм. "Антонио Бонвичино и венецианские распятия раннего кватроченто". Mitteilungen Des Kunsthistorischen Institutes во Флоренции, т. 48, вып. 3. 2004. С. 293–332. JSTOR, JSTOR, www.jstor.org/stable/27655363
  7. ^ а б Де Марчи, Андреа (1987). ""Микеле ди Маттео в Венеции и от имени Джентиле да Фабриано."". Проспеттива. 51: 31–33.
  8. ^ Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 9. ISBN  9780955536618.
  9. ^ Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 14–16. ISBN  9780955536618.
  10. ^ Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 23. ISBN  9780955536618.
  11. ^ а б c d Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 26. ISBN  9780955536618.
  12. ^ Кьяппини ди Сорио, Иллеана (1968). "Per una datazione tarda della Madonna Correr di Jacobello del Fiore". Bollettino dei Musei Civici Veneziani. 4: 11.
  13. ^ а б Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 28. ISBN  9780955536618.
  14. ^ Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 25. ISBN  9780955536618.
  15. ^ а б Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 31–32. ISBN  9780955536618.
  16. ^ Кристиансен, Кейт (1982). Джентиле да Фабриано. Корнелл Университет. стр.122. ISBN  0701124687.
  17. ^ Hourihane, Colum P., ed. (2012). Энциклопедия средневекового искусства и архитектуры Grove, том 1. 198 Мэдисон-авеню, Нью-Йорк, Нью-Йорк: Издательство Оксфордского университета. С. 447–448.CS1 maint: location (ссылка на сайт)
  18. ^ а б c d е ж г час я j "Якобелло дель Фьоре". Оксфордское искусство онлайн.
  19. ^ а б c Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 33. ISBN  9780955536618.
  20. ^ а б c d "Якобелло дель Фьоре, История жизни Святой Люси". Museo Diffuso del Fermano. 2011.
  21. ^ а б c Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 19. ISBN  9780955536618.
  22. ^ а б c Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 35.
  23. ^ Фаркуар, Мария (1855). Уорнум, Ральф Н. (ред.). Биографический каталог основных итальянских художников. Лондон: Джон Мюррей. п. 53.
  24. ^ а б c d е "JACOBELLO DEL FIORE". www.wga.hu. Получено 2017-12-14.
  25. ^ а б c d Крен, Эмиль. "Якобелло Дель Фьоре". Интернет-галерея искусства.
  26. ^ Бенати, Даниэле (2007). Якобелло дель Фьоре: его творчество и роскошное распятие. Лондон: Matthiesen Fine Art Ltd., стр. 18. ISBN  9780955536618.
  27. ^ Кристиансен, Кейт (1982). Джентиле да Фабриано. Корнелл Университет. стр.70, №15. ISBN  0701124687.

внешние ссылки